2026年3月28日（土）より、河合浩さんの個展《Heavy Slices, Light Nights》を開催します。Open Letterでの個展は、2022年の《Forgotten Times》以来、4年ぶり2度目となります。

河合さんは、栃木県益子町の古い一軒家を拠点に制作する画家です。有機的なフォルムが重なり合う抽象絵画、びっしりと敷き詰められたパターン、書のような勢いで引かれた線、木端などを用いた立体作品—— 作風は一つのスタイルに収束することなく、日々更新され続けています。本人が言う「野良の画家」という言葉は、美術の制度的な文脈への距離感を示すだけでなく、描くことそのものへの純粋な動機を言い当てているように思えます。

前回の展示から4年。以前は毎月のようにあちこちで個展を開いていましたが、最近は制作のペースが少し落ち着いてきたと言います。ただ、過去の作品に筆を加えたり、道端で拾ったものに色を載せたりしながら日々描き続けることは変わりません。

その制作は、否応なく「外」と地続きです。凍った蛇口、布団に入り込んでくる飼い猫ザネの温かさ、確定申告の煩わしさ。選挙のこと、やむことのない戦争のこと。河合さんはそれらを切り離さず、自分なりのやり方で向き合い続けています。投票を促すポスターを自分で作り、「くそみたいな選挙にも行く」し、「平和や、よりよい世界を望む、そんなことはあたりまえに生活と地続きですよね」とInstagramに綴る。世の中の色んなことへの苛立ちや自分の不器用さのようなものを抱えながら、何かに追われるように筆を動かし続ける。ザネとの夜の温かさも、他国の戦争への怒りも、河合さんにとっては同じ一つの日常の中にあります。

卑屈になったり空しくなったりすることも正直あるが、基本的にはただ好きなようにやっているだけ、と河合さんは言います。展示の場に足を運んでくれる人がいて、絵を買ってくれる人がいる。それを本当にありがたいと思いながら、これからも淡々と、自分なりにやっていく。その言葉には過剰な感傷も自意識もなく、ただ静かな確かさがあるように思えます。

今回の展示タイトル《Heavy Slices, Light Nights》は、そんな河合さんの時間感覚を映しています。重たく、時にしんどいことが世の中に溢れる日々の断片。それでも夜はやってきて、また当たり前のように明けていく。ままならない日々の中で、自分なりに生きていくための、しごくパーソナルな作法として積み重なった平面作品と立体作品を、会期中に益子から随時届けられる新作も交えながらご覧いただけます。

「お部屋に適度な違和感をあたえるようなおもしろい絵」と、河合さん自身が言っています。ぜひ、その違和感を感じにいらしてください。

^{※ 文中の写真はすべて河合さん撮影}

***

「あまりそういうことってないのだけど、チューブから出した割と大きめな絵の具の塊が落下してチノパンの裾のあたりにべとりと付いた。日頃は日常での汚れが付いてこそ俺の服、なんて思っているとこあるのに、そのチノパンにはまるで絵の具が付いてなかったからかわからないけれど、急いで脱いで洗った。急いで脱いだりしたものだからほかのとこにも移ってしまっていた。そんなことを切っ掛けにして何だかやる気のようなものが消えて自暴自棄のようなやつがやってくる。まあでも描く。たぶんそろそろオイル交換なのに行ってないとかあまり合わない気がする人間とのやりとりとか掃除を全然やってないとかSNSで見た高市早苗とかそんなことがそういう方向へと引っ張っていく。無理にやる必要などまるでないが、手を動かせば何かが出来てはいくし、自分のそんな感情もあまり信用は出来ない。オイル交換は行けばいいだけなのになぜだろう向き合いたくない。なんかやたらヘリコプターの音がして家族ゲームを思い出す。チョコレートばかばか食べて、俺は苺を買いに行く。」

（河合さんの Instagram 2026年1月27日の投稿より）

***

展示概要

• 展示タイトル：Heavy Slices, Light Nights
• 展示作家：河合 浩（かわい ゆたか）
• 期間：2026 年 3 月 28 日（土）〜 4 月 25 日（土）
• 営業時間：期間中の金曜・土曜 12~18 時
• 鑑賞料：¥500（近隣の方、または高校生以下は無料）
• オープニング レセプション：3 月 28 日（土）13 時頃より、ご近所のタチアナ焙煎所の山下テルさんの出張コーヒースタンド「Thursday Coffee Stand」が美味しいコーヒー、ドリンクをサーブしてくれます。

作家プロフィール

河合浩 / Yutaka Kawai

東京都出身 栃木県益子在住 画家。CDジャケット、アパレル、雑誌へのアートワーク等を手がけるほか、生活のなか日々制作をして、全国各地で展示を開催する。
Instagram @kyeutk

Yutaka Kawai | Heavy Slices, Light Nights

March 28 (Sat) – April 25 (Sat), 2026

Starting Saturday, March 28, 2026, Open Letter is pleased to present Heavy Slices, Light Nights, a solo exhibition by Yutaka Kawai. This marks Kawai’s second solo exhibition at the gallery, following Forgotten Times in 2022.

Based in an old house in Mashiko, Tochigi Prefecture, Kawai is a painter whose practice is in a constant state of evolution. His work defies a single style, ranging from abstract paintings with overlapping organic forms and dense patterns to calligraphic lines and sculptural pieces made from wood scraps. Kawai often refers to himself as a “stray painter” (nora no gaka). This term suggests not only a distance from the institutional contexts of the art world but also captures his pure, unadulterated motivation for the act of painting itself.

Four years have passed since his last exhibition here. While he previously held exhibitions almost every month, he notes that his pace has recently become more settled. However, his daily practice remains unchanged—continuing to paint every day, sometimes adding strokes to past works or applying color to objects found on the roadside.

His creative process is inextricably linked to the “outside” world. The frozen tap, the warmth of his cat Zane crawling into bed, the tediousness of tax returns. Thoughts on elections and the reality of never-ending wars. Kawai does not separate these elements; he continues to face them in his own way. He creates his own posters encouraging people to vote, writing on Instagram that he’ll “go to the polls, even if the election is a mess,” and adding, “Wishing for peace or a better world is naturally continuous with daily life, isn’t it?” While grappling with frustration toward the world and his own perceived awkwardness, he keeps moving his brush as if driven by something unseen. For Kawai, the warmth of a night with Zane and the anger toward wars in distant lands exist within the same single reality of daily life.

Kawai admits that he sometimes feels humble or even empty, but at his core, he is simply doing what he likes. He feels deeply grateful for those who visit his exhibitions and buy his paintings, and he intends to keep moving forward in his own quiet way. His words carry no excess sentimentality or self-consciousness—only a quiet certainty.

The title of this exhibition, Heavy Slices, Light Nights, reflects Kawai’s sense of time. These are fragments of days filled with things that are heavy and sometimes painful. Yet, night always comes, and the dawn follows as a matter of course. In the midst of unpredictable days, these 2D and 3D works have accumulated as a very personal ritual for living. The exhibition will feature these pieces alongside new works delivered periodically from Mashiko during the show.

Kawai describes his work as “interesting paintings that provide a moderate sense of ‘strangeness’ to a room.” We invite you to come and experience that sense of strangeness for yourself. 

“It doesn’t happen often, but a relatively large glob of paint came out of the tube and landed right on the hem of my chinos. Usually, I think of stains from daily life as part of my clothes, but maybe because these chinos were so clean, I rushed to take them off and wash them. Because I was in such a hurry, the paint spread to other spots. Starting from something like that, a loss of motivation or a kind of self-abandonment sets in. But well, I paint anyway. Maybe it’s the fact that my car is overdue for an oil change, or interactions with people I don’t quite click with, or the fact that I haven’t cleaned at all, or seeing Sanae Takaichi on social media—those things pull me in that direction. There’s no need to force it, but if I move my hands, something gets made, and I can’t really trust those fleeting emotions anyway. I just need to go get the oil change, but for some reason, I don’t want to face it. The sound of helicopters is constant and reminds me of the movie The Family Game. I’m eating chocolate like crazy, then I’m going to go buy strawberries.”

(From Yutaka Kawai’s Instagram post, January 27, 2026)

Exhibition Details

Title: Heavy Slices, Light Nights
Artist: Yutaka Kawai
Dates: March 28 (Sat) – April 25 (Sat), 2026
Hours: Fridays and Saturdays, 12:00 PM – 6:00 PM
Admission: ¥500 (Free for local residents and students high school age or younger)
Opening Reception: March 28 (Sat) from around 1:00 PM. Teru Yamashita from nearby Tatjiana Baisenjo will serve delicious coffee and drinks via his pop-up, “Thursday Coffee Stand.”

Artist Profile

Yutaka Kawai Born in Tokyo, based in Mashiko, Tochigi. Painter. In addition to creating artwork for CD jackets, apparel, and magazines, he produces art as part of his daily life and holds exhibitions throughout Japan. Instagram: @kyeutk_

Open Letterでは、2026年1月23日（金）より、やとうはるかによる個展「ひとりでも俺はやる」を開催いたします。

やとうさんは現在、神奈川県西部の山裾に生活と制作の拠点を置いています。農業を営み、子供向けの美術教室を運営しながら、絵画や作陶に勤しむ。その日々の重なりは、生活と表現が地続きとなったひとつの「営み」の記録です。

本展のタイトル「ひとりでも俺はやる」は、作家自身の決意表明である以上に、彼女が日々の中で出会い、心惹かれてきた「人物や風景」に宿る精神性を象徴しています。

降り続ける雨の中で黙々と藁を切り続ける姿や、誰に頼まれることもなく積み上げられ、やがて風化してゆく土のうの「白い城」。一見すれば非効率で、時には期待した結末に繋がらない無意味にも思える行為の集積の中に、やとうさんは「ひとりの時間が湛える果てしなさ、尊さ、そして慈しみ」を見出します。

やとうさんにとって、絵を描き、土を練ることは、農作業や子育てといった日々の営みと分かちがたく結びついています。情報を瞬時に共有し、反応を確かめ合うことが日常となった現代において、人知れず行われ、やがて消えゆく孤独な営みは、ともすれば目まぐるしく更新される情報の中に埋もれてしまうかもしれません。しかし、実際には他者の助けなしには成り立たない現実を抱えながらも、それでもなお淡々と己の歩みを進めようとする「個」の在り方は、私たちに「いかにして、自分の足でこの場所に立ち続けるか」という切実な問いを投げかけます。

本展では、これらの思索と実践から生まれた作品群を通じ、不確実な未来に場当たり的に向き合いながらも、揺るぎなく存在し続ける「個」の輪郭を提示します。

やとうはるか個展「ひとりでも俺はやる」

• 会期：2026年1月23日（金）– 2月28日（土）
• オープン：会期中の金曜日・土曜日 12:00 – 18:00
• ※2月7日（土）はクローズ
• 鑑賞料：500円
• オープニングレセプション：1月24日（土） 15:00 – 18:00　やとうさんが育てた米で作ったお餅をふるまう予定

やとうさんの畑にて（2025年1月撮影）

やとうさんのアトリエにて（2025年1月撮影）

作家ステートメント

ひとりでも俺はやる

(1)ひとりでやる人
(2)見られなくてもひとりでやる
(3)ひとりでも出来るのか？
(4)ひとりだと出来ない
(5)ひとりでも俺はやる

(1)ひとりでやる人

A.
本降りの雨が降る日、私の作品の写真を撮るために夫と田んぼへ行った。田植え前、代掻きが済んだ頃の田んぼ。
天気が悪いので誰もいないと思っていたのに、Yさんの軽トラが止まっていて、おおっ？！となった。
田んぼの方へ行くと、Ｙさんはかぼちゃの苗が植わったコーナーにいた。藁を切る道具で手動で藁を切って、苗の根本に撒いていた。
私たちが土手の上から見ていることに気づいたＹさんと会釈して、私と夫は写真を撮りに田んぼへ降りた。
撮り終わって、Ｙさんと少し話しをしてから帰路についた。雨の中、ボロボロで補修跡だらけのカッパを着たＹさんはまだ藁切りをしていた。

B.
ひとりで、土のう袋に土を詰めて、広い敷地(畑？)の斜面に積み上げている人がいるらしい。「白い城」と呼ばれるほど大きい様子。夫と見に行った時には土のう袋は風化してボロになり、白い城は確認出来なかったが、在りし日の景色は想像できた。
離れた場所にある土場で土のう袋を作り、運び、積み上げていく繰り返しをひとりで繰り返したその人のことを思う。

C.
AやBのことがあって、「苦労するような状況でも人知れずひとりでやる人がいる」ことに心惹かれてきた。
ここらで「ひとりでも俺はやる」という言葉が思い浮かんだ。
「ひとりでも俺はやる」を日常的に探すようになった。

D.
稲刈りの頃、夜、家族で歩いて、中華料理屋へご飯を食べに向かっていた。
田んぼの横を通る時、暗い中、ライトを点けたコンバインで稲刈りをしている人が見えた。突然現れたその光景に「ひとりでも俺はやる」を感じた。

E.
「ひとりでも俺はやる」を探しているけれど、なかなかピンとこない。道端の草刈りを1人でやっている人をよく見るけど、自治会の活動としてやっているかもとか思うと、「ひとりでも俺はやる」ではない気がする。
そんな話を夫としていたら、「竹の油抜きは、ひとりでも俺はやる、だったけどね」と言われた。
一昨年位の真夏、気温が連日35度を超えるような日々、夫は穴を掘って、そこで竹をバンバン燃やして、「竹の油抜き」を数日間かけて、ひとりでやっていたのだった。
これは確かに「ひとりでも俺はやる」だった。

F.
竹で小屋を作るために、竹の油抜きをしていたけど、結局丸太を使うことになって、大変な思いをして油抜きをした竹は薄汚れて山際に積まれている。
Ｙさんが藁を敷いたかぼちゃ畑は、真夏の雨不足が響いて、あまり実がついていない様子だった。
土のうが積まれた白い城は、今では朽ちた土のう袋入り斜面に見え、その土地は何に使われるでもなく丹念に草が刈り込まれ、土の一面になっている。(夏場は何かに使われているのかもしれない)
ひとりで大変な思いをしてやっても、思い描いた行く末にならなかったり、またはその時の行動は風化して見えなくなることもあると思った。そもそも周りから見て、やる意味なんて無いように思えることをやっていたりする。
それでも「ひとりでも俺はやる」の人たちはやるのだろうけど。

(2)見られなくてもひとりでやる
見られなくても、ひとりでやる人が気になっている一方、ひとりでやった作業を主にSNSで発信することに、1面は楽しさを感じ、1面はうんざりしていた。
ひとりの時間の果てしなさや尊さや慈しみのようなものが、SNSで発信されると同時に軽薄で肩が凝るものになる気がした。

(3)ひとりでも出来るのか？
田んぼと薪窯は私の大切な楽しみだけど、どちらも一人立ちはできていない。
田んぼはMさんやＹさんに教えてもらったり機械を貸してもらったり、水路・水量の管理をしてもらったりしている。
薪窯はK先生の指導で焚いている。薪割り、窯や建物の管理、窯焚き期間中の食事準備その他諸々も、高齢になりつつあるK先生がほとんどやってくれている。
田んぼや窯焚きをするために付随してやるべきことがいろいろあって、それらを助けてもらいながらやっている。
田んぼや窯焚きは人生を通してやりたいと思っている。
MさんやK先生が引退する時が来るかもしれない。ひとりでも私は出来るのか？

(4)ひとりだと出来ない
窯焚きは特にひとりでは出来ない。今の窯や焚き方だと、24時間通して、150時間くらい焼かないといけない。
田んぼも、特に水路の整備は、私たちの田んぼゾーンだけでなく地域全体のことを思うと、ひとりではとても出来ない。
山の中に住もうとしているけれど、そこへ通じる道や脇道は、いつまで通れるだろうか。山の管理や道端の草刈り、獣害対策も、10年後にはどうなっているのだろう。

(5)ひとりでも俺はやる
ひとりで出来ない事は明らかであるにせよ、「ひとりでも俺はやる」の人たちのように、淡々とやっていくしかない。
未来がどうなるか見越して行動する自信はなくて、やった先にどうなったかという事は、場当たり的にしか対応できないと思う。
ひとりになって、出来なくなる時が来るかもしれないけど、「ひとりでも俺はやる」の人たちを心に唱えて、「ひとりでも俺はやる」自分でいたいと思っている。

作家プロフィール

やとうはるか

1989年　静岡県生まれ
2015年　多摩美術大学大学院美術研究科博士前期課程絵画専攻油画研究領域　修了

太陽の周りをぐるぐる回る / Spinning Around the Sun (2024, キャンバスに油彩 / oil on canvas, 130.3 × 162 cm)

夜の始めから終わりまで / From the Beginning to the End of the Night (2025, キャンバスに油彩 / oil on canvas, 130.3 × 162 cm)

炎をくぐって森へ行く / Through the Flames into the Forest (2023, 陶 / ceramic, 約 17 × 10 × 20 cm)

故郷から来た光 / Light from Home (2023, 陶、モルタル、ワイヤー / ceramic, mortar, and wire, 約 25 × 25 × 25 cm)

[個展]

2025
「今日が終わると明日が来るよ」APどのう、茨城県

展示風景：個展「今日が終わると明日が来るよ」（2025年、APどのう、茨城県）
Installation view: Solo Exhibition “Tomorrow Comes When Today Ends” at AP Donou, Ibaraki, 2025 Courtesy of AP Donou

2022
「やとうはるか個展」日和坂アート硏究舎、宮城県
「道をあるいていたら」日和坂アート硏究舎、宮城県

2013
「さわやかな壁」gallery b.TOKYO、東京都

[グループ展]

2025
「幽霊部員の放課後」東葛西1-11-6 A倉庫、東京都
「Infinite Carriers of Life」台南美術館、台湾
「第6回芸術ハカセは見た “伊丹小夜ぼくのともだち”」徳島市立徳島城博物館、徳島県

2024
「KAMIYAMA ART カドリエンナーレ 2024」上野の森美術館、東京
「しがらきパプ祭り’24」カフェ&ギャラリー陶園、滋賀県
「ドローイング展　せいめい」JITSUZAISEI、大阪府

2023
「二次元派展」大阪関西国際芸術祭、大阪府
「cross cross x x vol.1」GALERIE OVO、台湾

2022
「ドローイング展　ゆうだち」新宿眼科画廊、東京都

2018
「パープルーム大学付属ミュージアムのヘルスケア」茨城県常陸太田市郷土資料館、茨城県

2015
「PAPER DRAWINGS」ギャラリーなつか、東京都

2014
「春のカド２」ターナーギャラリー、東京都
「感情未然」新宿眼科画廊、東京都

2012
「TURNER MUSEUM vol.1」ターナーギャラリー、東京都

2011
「はっぴーまむまむのまむ様の窓から」SPACE/ANNEX、東京都

[受賞]

2015
福沢一郎賞
神山財団芸術支援プログラム第１期生

Haruka Yato | Still, we do it alone.
January 23 – February 28, 2026

Open Letter is pleased to present Still, we do it alone., a solo exhibition by Haruka Yato, opening Friday, January 23, 2026.

Yato currently lives and works in the foothills of western Kanagawa Prefecture. Her days are spent tending to rice paddies and vegetable fields, running an art school for children, and immersing herself in painting and ceramics. For Yato, these daily layers of labor are not separate from her art; they are a continuous record of a life where living and creating are one and the same.

The exhibition title, Still, we do it alone., is less a personal manifesto and more a reflection of a certain spirit she has encountered in the people and landscapes around her. She finds a quiet, immense dignity in acts that may seem inefficient or even futile: a figure silently cutting straw in the relentless rain, or a “white castle” of sandbags piled up by no one’s request, left to weather away. Within these solitary accumulations, Yato finds a profound sense of “the vastness, sanctity, and tenderness of time spent alone.”

In an era defined by instantaneous sharing and constant feedback, these quiet, disappearing acts of solitude can easily be swallowed by the relentless surge of information. Yet, Yato’s work reminds us of the “individual”—one who acknowledges that life is impossible without the help of others, yet chooses to move forward with a steady, unhurried pace. Her practice poses a pressing question: how do we continue to stand on our own feet, in this place, at this time?

Through a body of work born from these reflections, Yato traces the contours of an individual who remains steadfast, meeting an uncertain future with a grounded, singular presence.

Exhibition Information

Haruka Yato: Still, we do it alone.

• Dates: Jan 23 – Feb 28, 2026
• Open: Fridays and Saturdays only
• Hours: 12:00 PM – 6:00 PM
• Closed: Feb 7 (Special Closing)
• Admission: 500 JPY
• Opening Reception: Saturday, Jan 24, 3:00 PM – 6:00 PM
  • We will be serving mochi (rice cakes) made from rice grown by the artist.

Artist Statement

Still, we do it alone.

(1) The person who does it alone
(2) Doing it alone, even if no one is watching
(3) Can I do it alone?
(4) I cannot do it alone
(5) Still, we do it alone.

(1) The person who does it alone
A. On a day of heavy rain, my husband and I went to the rice fields to take photos of my work. It was just before the planting season, around the time the soil had been puddled. I thought no one would be out in such weather, but there was Mr. Y’s truck. I was startled. Near the field, I found him in the corner where the pumpkins were planted. He was cutting straw by hand with an old manual cutter, scattering it at the base of the seedlings. We nodded to each other from the top of the bank, and my husband and I headed down into the mud for the photos. By the time we finished and spoke a few words with him before leaving, Mr. Y—wearing a tattered raincoat covered in patches—was still there, silently cutting straw in the rain.

B. I heard there was someone who filled sandbags with soil, one by one, and piled them up on a slope in a wide field. It was so massive people called it the “White Castle.” By the time my husband and I went to see it, the bags had weathered and rotted away; the castle was gone. But I could imagine the scene as it once was. I think about that person, repeating the cycle alone: filling the bags at a distant soil yard, hauling them, and stacking them, over and over again.

C. Because of A and B, I found myself drawn to the idea that “there are people who do things alone, in secret, even in the harshest conditions.” That was when the phrase “Still, we do it alone” (or “Still, I’ll do it”) came to mind. I started looking for this spirit in my daily life.

D. It was harvest season. At night, my family and I were walking to a Chinese restaurant for dinner. As we passed the rice fields, a combine harvester appeared in the dark, its headlights cutting through the gloom as someone worked the late harvest. The sudden sight of it struck me. There it was: “Still, they do it alone.”

E. I keep searching for this feeling, but it’s not always easy to find. I often see people mowing weeds by the roadside, but then I think, “Maybe they’re doing it for the neighborhood association,” and it feels like something else. When I mentioned this to my husband, he said, “What about when I was curing the bamboo? That was a ‘doing it alone’ moment.” I remembered. Two summers ago, during a heatwave with days over 35°C, he dug a pit and spent days alone, burning wood to heat and draw the oils out of the bamboo. That was definitely it.

F. He cured that bamboo to build a hut, but in the end, we decided to use logs instead. Those bamboo poles, prepared with so much effort, now sit stained and forgotten, piled up by the edge of the woods. Mr. Y’s pumpkin patch didn’t yield much fruit either, likely due to the summer drought. The “White Castle” is now just a slope of rotted bags; the land sits unused, though the grass is neatly trimmed down to the dirt. I realized that even if you struggle and do it alone, things don’t always turn out the way you imagined. The traces of your actions weather away and disappear. To an outsider, it might even seem like there was no point in doing it at all. Yet, I suspect the “Still, we do it alone” people will keep on doing it anyway.

(2) Doing it alone, even if no one is watching
While I am drawn to those who work in solitude without an audience, I felt a conflict within myself. I enjoyed sharing my own solitary work on social media, but part of me felt disgusted by it. I felt that the vastness, the sanctity, and the tenderness of time spent alone becomes something shallow and exhausting the moment it is broadcasted for a reaction.

(3) Can I do it alone?
The rice fields and the wood-fired kiln are my greatest joys, but I haven’t yet mastered either on my own. In the fields, Mr. M and Mr. Y teach me everything, lend me machinery, and manage the water levels. As for the kiln, I fire it under the guidance of Mr. K. He handles most of the heavy labor—splitting wood, maintaining the kiln and the building, and even preparing meals during the firing—despite his age. I only manage to do these things because of the support that comes with them. I want to keep doing this for the rest of my life. But the day will come when Mr. M and Mr. K retire. Will I be able to do it alone?

(4) I cannot do it alone
Firing a kiln is impossible for one person. With our current kiln and method, it requires about 150 hours of continuous firing over several days. The rice fields, too—especially maintaining the irrigation channels—is a task for the whole community, not just for our patch. I cannot do it alone. We are trying to live deep in the mountains, but how long will the roads and paths remain passable? The management of the forest, the weeding of the roadsides, the protection against wild animals—what will it all look like in ten years?

(5) Still, we do it alone.
Even if it’s clear that I can’t do everything by myself, I have no choice but to keep going steadily, like those “doing it alone” people. I don’t have the confidence to act based on a perfect vision of the future. I can only react to what happens after I’ve done the work, dealing with things as they come. A time may come when I am truly alone and unable to continue. But I want to keep those people in my heart as a mantra, striving to be someone who can say: “Still, I will do it.”

Artist Biography & Selected Exhibitions

Haruka Yato 1989 Born in Shizuoka, Japan 2015 MFA in Oil Painting, Graduate School of Art and Design, Tama Art University

[Selected Solo Exhibitions]

• 2025 Tomorrow Comes When Today Ends, AP Dono, Ibaraki
• 2022 Haruka Yato Solo Exhibition, Hiyorizaka Art Research Center, Miyagi
• 2022 Walking Down the Road, Hiyorizaka Art Research Center, Miyagi
• 2013 Refreshing Walls, gallery b.TOKYO, Tokyo

[Selected Group Exhibitions]

• 2025 Ghost Member’s After School, Warehouse A (1-11-6 Higashikasai), Tokyo
• 2025 Infinite Carriers of Life, Tainan Art Museum, Taiwan
• 2025 Art Doctor’s Insight Vol. 6: Itami Sayo, My Friend, Tokushima City Tokushima Castle Museum, Tokushima
• 2024 KAMIYAMA ART Quadrennial 2024, The Ueno Royal Museum, Tokyo
• 2024 Shigaraki Pub Festival ’24, Cafe & Gallery Toen, Shiga
• 2024 Drawing Exhibition: Seimei (Vitality), JITSUZAISEI, Osaka
• 2023 Nijigen-ha Exhibition, Study: Osaka Kansai International Art Festival, Osaka
• 2023 cross cross x x vol.1, GALERIE OVO, Taiwan
• 2022 Drawing Exhibition: Yudachi (Evening Shower), Shinjuku Ganka Garou, Tokyo
• 2018 Parplume University Museum Healthcare, Hitachiota City Museum, Ibaraki
• 2015 PAPER DRAWINGS, Gallery Natsuka, Tokyo
• 2014 Haru no Kado 2, TURNER GALLERY, Tokyo
• 2014 Unrealized Emotions, Shinjuku Ganka Garou, Tokyo
• 2012 TURNER MUSEUM vol.1, TURNER GALLERY, Tokyo
• 2011 From the Window of Happy Mamumam, SPACE/ANNEX, Tokyo

[Awards & Grants]

• 2015 Ichiro Fukuzawa Memorial Award
• 2015 Kamiyama Foundation Art Support Program, 1st Term Grantee

(Scroll down for English)

ジョエル・カーカム｜Still Life
期間：2025年11月2日（日）~12月7日（日）
オープン：土曜日曜 12~18時　※その他の日時は予約制（スケジュールにより応相談）
オープニング レセプション：11月2日（日）15~18時

「物体」にとっての時の流れとは何であろうか？地球の表層を離れた石は、やがて街へたどり着きます。雑踏に転がり落ちた石は時の流れから取り残されているかのように見えます。まるでせわしなく行き来する人々やモノの流れに、その静寂で逆らうかのように。

本展ではOpen Letter Galleryの両展示スペースを用い、共通したテーマのもと作成された２つの連作―「Urban Rocks」と「レシート・ドローイング」から作品を展示します。

「Urban Rocks」は東京の都市空間のなかで存在する石を撮影した映像作品です。低いアングルからの固定のワンテイクで撮られたこの映像作品は、静止・動作・音をありのままに観察する視座として機能します。そこでは石とは、人々や自転車、車が通り過ぎてゆく都市の焦点であり、アンカー（錨）として存在し、情報と数字にあふれた現代において、本作品は、人々に立ち止まり「時間」「変化」「進歩」など「大きなこと」へと思いを巡らせるよういざなうでしょう。

一方、感熱紙のレシートを使用した抽象画の連作は「儚さ」と「捉えがたさ」を主題としています。マーカーの上から顔料ピグメントを重ねて裏表両面に描くことで、レシートは、平面のイメージとしてとらえられることに抗い、その物質性を主張します。そこには「感触」「時間」「軌跡」を宿す繊細な記録が立ち上がります。ここでは時間とは確固たる記憶ではなく、とらえがたい、曖昧な、常にすりぬけていく「感じられる」ものになるのです。

さらに本展では、これら２作品を補完する作品もインスタレーションとして展示します。これら作品も併せて本展では、日々の物質にとって、あるいは我々にとって、時間とはいかに流れていくのか見つめ直す機会になることをめざします。

ジョエル・カーカム

ニュージーランド、オークランド出身。テンプル大学東京校講師。Goya Curtainの共同創設者兼ディレクター。東京を拠点に活動中

–

Joel Kirkham | Still Life
Dates: Sunday, November 2 – Sunday, December 7, 2025
Opening Hours: Saturdays and Sundays, 12PM – 6PM and by appointment when scheduling allows
Opening Reception: Sunday, November 2, 3PM – 6PM

What is the time of an object? A rock released from the earth’s crust finds its way to a city street. Lying there, it seems out of time, pushing against the flow and rush of people and things with its precarious stillness.

Utilizing both rooms of Open Letter Gallery, this exhibition presents two thematically linked series: the Urban Rocks videos and a selection of recent drawings on receipts.

Urban Rocks is a series of durational videos capturing solitary rocks found in Tokyo’s urban environment. Filmed from a low perspective in single, unmoving takes, these works offer a direct study of movement, stillness, and sound. In each video, a single rock becomes a point of focus or anchor as people, bicycles, and cars pass by. In an age dominated by information and metrics, the videos invite viewers to slow down and reflect on broader ideas of time, change, and progress.

In contrast, the abstract drawings on thermal paper receipts explore themes of the ephemeral and the intangible. Drawn on both sides of the paper – first with dye markers, then layered with archival pigment – the receipts resist being read as flat images. Instead, they assert their objecthood, revealing themselves as delicate, double-sided records of touch, time, and trace. Here, time is not captured as a fixed memory but as something to be felt: elusive, abstract, and always slipping away.

Additional works, displayed as part of an installation, serve to bridge the two series. Together, they invite reflection on how time settles – both in everyday materials and within ourselves.

Joel Kirkham born in Auckland, New Zealand lives and works in Tokyo, Japan. He is a Lecturer in art at Temple University, Japan Campus and is co-founder and director of Goya Curtain art and project space.

Image: Urban Rocks Video Stills (Omotesando, Tokyo, August, 2025)

Open Letterでは、4月5日（土）より、大岩美葉さんの個展「刻をまとう、或る日」を開催します。美葉さんは木版画を中心に制作し、版木の質感や木目を生かし、時間の痕跡を可視化する表現を追求しています。紙ではなく、透明ビニールシートなどに刷ることで、背景の空間や街並み、人々の営みを作品に重ね合わせています。
本展ではギャラリー兼住居であるOpen Letterの空間全体を、横幅約6メートルの木版画で包み込むインスタレーションを発表予定です。ぜひご覧にいらしてください。

また、美葉さんは川崎市の岡本太郎美術館で開催中の「第28回岡本太郎現代芸術賞（TARO賞）」にも入賞作家として参加しています。こちらも併せてぜひご覧ください。

“ 家は人を包み、人は家とともに刻まれていく。
幼い頃、祖母の手の皺をなぞるのが好きだった。
自分にはないその跡に、柔らかさと脆さを感じ、静かに満たされていた。
それは、住み慣れた家に触れたときの気持ちとどこか似ていた。
床に刻まれた傷、壁に残る手の跡、家具の影、静かに積み重なる暮らしの時間。
人肌に刻まれる皺のように、家もまた、「刻」をまとう。”
（大岩美葉）

• 会期 : 2025年4月5日(土), 6日(日), 12日(土), 13日(日), 19日(土), 26日(土), 27日(日)
• 時間 : 12:00~18:00
• 入場 : 500円(お子様、近隣の方は無料)
• 会場 : Open Letter gallery @open_letter_gallery
  〒168-0073 東京都杉並区下高井戸5-3-17
• レセプション : 2025年4月5日(土) 16:00~19:00

DM撮影: @fishpastecake
DMデザイン: @koyo_feel_good

作家プロフィール

1995年神奈川県生まれ。2015年に多摩美術大画絵画学科版画専攻入学。2018年に第43回全国大学版画展優秀賞。町田市立国際版画美術館に作品が所蔵される。2025年、第28回 岡本太郎現代芸術賞に入選。従来の油性木版の技法と、版木を燃やすことで木目を露出させる特殊な技法で木版画を制作。ブルーシートやビニールシートに版画を刷ることなどにより、変化し続ける時代に対して木版の存在意義を模索している。
Instagram

主な展示歴

• 2025年2月: 第28回 岡本太郎現代芸術賞に入選
• 2023年12月: グループ展「City whispered moments」（ZtoryTeller Gallery 香港）
• 2023年10月: グループ展「STA ALL-Stars」（Whimsy Works 台北）
• 2023年4月: グループ展「BondeeS」（MIL GALLERY JINGUMAE 明治神宮前）
• 2021年9月: グループ展「FLOWERS PLANTS BOOKS oa Tokvo」（西麻布）
• 2020年12月: グループ展「FILM ERA」（BANSHAN GALLERY 明大前）
• 2019年2月: 東京五美術大学連合 卒業・修了制作展（国立新美術館）
• 2018年12月: 「第43回全国大学版画展」（町田市立国際版画美術館 優秀賞所蔵）
• 2018年10月: グループ展「ハンガコンプレックス」（文房堂gallery 神保町）

「足」（2022年, 1000× 1800mm, 油性木版, ビニールシート）
“Legs” (2022, 1000 x 1800mm, Oil-based woodblock print, Vinyl sheet)

「春の気立つを以って也」（2024年, 4150×2850㎜（塩化ビニール）4050×2800㎜（木版）, 塩化ビニールに油性インク, 木版）
「第28回岡本太郎現代芸術賞（TARO賞）」入賞作品
“Shun no kidatsu wo motte nari” (2024, 4150 x 2850mm (Vinyl chloride), 4050 x 2800mm (Woodblock), Oil-based ink on vinyl chloride, Woodblock)
Award-winning work at the 28th Taro Okamoto Award for Contemporary Art (TARO Award)

OHIWA Miyou’s solo exhibition
A Day Embracing Time

Open Letter is pleased to announce OHIWA Miyou’s solo exhibition, “A Day Embracing Time,” opening on Saturday, April 5th. OHIWA Miyou’s work primarily revolves around woodblock printing, where she explores the visualization of time’s traces through the texture and grain of the woodblock. Rather than traditional paper, she prints on transparent vinyl sheets, layering her work with the surrounding space, cityscape, and the activities of people.

In this exhibition, she will present an installation that envelops the entire Open Letter space—a gallery within a residence—with a 6-meter-wide woodblock print. We invite you to experience this unique exhibition. We will also be holding a reception on the opening day, Saturday, April 5th, from 4 PM to 7 PM.

Additionally, OHIWA Miyou is also participating as an award-winning artist in the “28th Taro Okamoto Award for Contemporary Art (TARO Award),” currently held at the Taro Okamoto Museum of Art, Kawasaki. 

“A house embraces its people, and people are inscribed by the house in return. As a child, I loved tracing the wrinkles on my grandmother’s hands. In those delicate lines, absent from my own skin, I felt both softness and fragility, a quiet sense of fulfillment. It was a feeling akin to touching the familiar surfaces of a lived-in home. Scratches on the floor, handprints on the walls, the shadows cast by furniture—all silent layers of time, accumulating over years of life. Just as wrinkles mark the human body, a house, too, embraces time.” (OHIWA Miyou)

Exhibition Information

Dates: April 5th (Sat), 6th (Sun), 12th (Sat), 13th (Sun), 19th (Sat), 26th (Sat), 27th (Sun), 2025
Hours: 12:00 PM – 6:00 PM
Admission: 500 yen (Free for children and local residents)
Venue: Open Letter gallery
5-3-17 Shimotakaido, Suginami-ku, Tokyo 168-0073, Japan
Reception: April 5th (Sat), 2025, 4:00 PM – 7:00 PM

Artist Profile

Born in Kanagawa Prefecture in 1995. OHIWA Miyou entered the Department of Painting, Printmaking at Tama Art University in 2015. In 2018, she received the Excellence Award at the 43rd Japan University Print Exhibition. Her works are in the collection of the Machida City Museum of Graphic Arts. In 2025, she was selected for the 28th Taro Okamoto Award for Contemporary Art. She creates woodblock prints using traditional oil-based woodblock techniques and a unique method of exposing the wood grain by burning the woodblock. By printing her woodblocks on blue sheets and vinyl sheets, she explores the significance of woodblock printing in a constantly changing era.
Instagram

Selected Exhibitions

• February 2025: Selected for the 28th Taro Okamoto Award for Contemporary Art
• December 2023: Group Exhibition “City whispered moments” (ZtoryTeller Gallery, Hong Kong)
• October 2023: Group Exhibition “STA ALL-Stars” (Whimsy Works, Taipei)
• April 2023: Group Exhibition “BondeeS” (MIL GALLERY JINGUMAE, Meiji Jingumae)
• September 2021: Group Exhibition “FLOWERS PLANTS BOOKS oa Tokyo” (Nishiazabu)
• December 2020: Group Exhibition “FILM ERA” (BANSHAN GALLERY, Meidaimae)
• February 2019: Tokyo Five Universities of Art Joint Graduation/Completion Exhibition (The National Art Center, Tokyo)
• December 2018: “The 43rd Japan University Print Exhibition” (Machida City Museum of Graphic Arts, Excellence Award Collection)
• October 2018: Group Exhibition “Hanga Complex” (Bumpodo gallery, Jinbocho)

Open Letter ギャラリーでは、2024年11月16日（土）から12月22日（日）まで、キルトアーティスト木織音（きおね）さんの個展《Taking Apart / Piecing Together》を開催します。

本展では、木織音さんが取り組んできたキルトのリズミカルな模様や鮮やかな色彩、柔らかな布の手ざわりなど視覚的・触覚的な魅力の探求に加え、パターンの複数の組み合わせやパッチワークの連なりといったキルトの構造的側面や、キルトがもつ歴史的背景にも言及していくことで、「いまキルトを作ること / 使うこと」に批評的に向き合い、その可能性を追求していこうとする木織音さんの世界観をご覧いただけます。

• 木織音《Taking Apart / Piecing Together》
• 会期：2024年11月16日（土）～12月22日（日）
  *11月30日、12月1日はクローズ
• 営業時間：上記会期の土曜と日曜 12-18時
• 鑑賞料：¥500（お子様、高校生以下、近隣の方は無料）
• オンラインストアでも作品を販売中です（12月29日まで）

本展で展示予定の新作（部分）

個展《Color Moments》（2021, Clinic, 東京）より
Photo Credit: Go Tanabe

アーティスト ステートメント

キルトの構成

私が制作に使う素材の中には、メートル単位で新しく買った生地、すでにカットした状態で販売されている布、古着屋で買った服から得た布、過去の制作で余ったハギレなどが混在している。小さな生地を有効活用できるパッチワーク（布を縫い合わせる技法 fig. 1）やアップリケ（布を重ねて縫い付ける技法 fig. 2）では、織られた布をそのまま大きく使うことはほとんど無い。（だが、キルトの中には、パッチワークをせず、一枚布にキルティングやトラプントを施すホールクロスキルトという分類もある。）

パッチワークでは、切り分けた布、あるいは余ったハギレなどを再構成してつなぎ合わせることで、ふたたび大きな布に仕上げていく。その目的は「装飾」と言えると思う。モチーフの抽象・具象、制作過程の計画性・即興性を問わず、生地の色彩や明度の差などを使って装飾性を生み出すために、布を一度切ってまた繋ぎ合わせる。ストリップピーシングのように、切ってつなぎ合わせた生地をさらに切ってつなぎ合わせることもある（fig. 3）。つなぎ合わせる方法として、手縫いとミシン縫いがあるが、特に即興的なパッチワークでは、色合わせをした瞬間の感覚を大切に構成していくため、すぐに縫い合わせられるミシンを使っている。

パッチワークの最小単位を布のピース一つとする。それは、一定の幅で織られた生地、それを裁断・縫製して作られた服、歴史的には小麦粉などを入れる布袋（フィードサック、フラワーサック）などから切り取られてきた。ハギレを処理せずにそのまま使う場合でも、一度どこかにハサミを入れた結果がハギレである。パッチワークのプロセスには、布や布製品の裁断・分解という段階が含まれ、一度ピースに切り分けることで（再）構成が可能となり、装飾という目的地に向かって縫い進むことができる。

縫い合わされたピースは、次に大きな単位である「ブロック」を構成することが多い（fig. 4）。キルトのような大作も、ブロック単位に分けることで作業しやすくなる。キルトの典型的なデザインとして、このブロックの反復があげられるが、反復するデザインは連続模様のように全体をどこまでも拡大していく可能性を秘めており、何度繰り返し、どのように変化を加えていくかは作者次第である。

刺繍などの手芸と同じく、パッチワークやアップリケの定義にモチーフや最終形態の指定は無い。私はキルトの他にもクッションやポーチ、衣服などを制作しているが、それらの製品を作りたい意欲があるというよりかは、パッチワークされた面に機能性を持たせるために生活の品々に仕立てている。過剰な消費には抵抗があるが、誰かのニーズに応えるものづくりは、やりがいを感じる。有用性が問われない（とも断言しづらいが）芸術に対して、パッチワークや手芸が「役立つもの」に仕立てられる理由の一つとして、機能を付随することで作者たちが装飾的な「趣味」に費やす時間を守ってきた背景があるかもしれない(*1)。1970年代アメリカの芸術運動パターン・アンド・デコレーションの文脈で、キュレーターのアンナ・キャッツが、フォルムや構造に定着しない装飾、応用美術としての絵柄や模様の動きを「slip」と表現しているように、パッチワークやアップリケもまたインテリアやファッション、身の回りの持ち物の世界へ滑り込んでいく「面」であり、支持体を特定せず様々なアイテムに仕立てられる非工業的（手芸的）パターンであると考える(*2)。

「アメリカン」キルトとは

キルトを作るにあたって違和を感じるのが、日本で盛んになった「アメリカン」、「カントリー」キルトの多くが、アメリカ先住民から略奪した土地で暮らしを営んだ入植者たちのクラフトであるということ。そこには、植民地主義、キリスト教思想、白人至上主義、奴隷労働の歴史的背景が織り込まれており、アメリカーナへのロマンが色濃い日本で展示を行うにあたって、入植者たちのキルト文化の下地となったコロニアリズムを美化しないように注意したい。また、嫁入り道具の一つでもあったキルトには、結婚を象徴するパターンや子供向けのデザイン、出産を祝って贈られるものがあり、シスジェンダーかつヘテロセクシャルな娘、妻、母、祖母としてのキルター像が映し出される。一方で、たくさんのパーツから構成され、コミュニティ性が高いながらも親密なキルトというメディウムが、抑圧されている人々のアクティビズムに使われる事例も多い（例：AIDSメモリアルキルト、「政治的な手芸部」、Quilts for Palestine(*3)、The Euphoria Quilt(*4)）。布を縫い合わせる楽しさを探求しながら、今後も政治的な背景を汲んで発展していくキルト文化に学びたいと思う。

延命するパッチワーク、メンディング

衣服や余った布を素材として使うのは、パッチワークの歴史の一部である。キルトなどに作り替えることで、生地の寿命が延びるが、例えばシャツを裾から襟まで完全に使い切るには、丁寧な分解を行う労力と時間、そして使用感のある生地を取り入れる工夫が必要で、現在の自分の制作ではあまり現実的ではない。縫う行為には一定の可逆性があるものの、特にミシン針が刺した跡はそう簡単に消えず、一度縫った箇所は少々傷んでしまう。縫いたてのものはすぐ解けば布の状態に戻るが、着古した服は、色褪せや、縫い目周りのダメージ、摩擦などによるへたりがある。繊維製品が溢れる社会で、個人の活動が大きな変化をもたらすとは考えていないが、新品の布だけではなく、さまざまな生地を取り入れたキルトを制作を実践していきたい。近年ではビンテージキルトをコートなどに仕立てるハンドメイドブランドも見受けられるようになり、一度はキルトになった古着が、また服の形を取り戻しているのかもしれない。衣類の分解とキルト化が、布の寿命を延ばしているとしたら、ビンテージキルトを素材とするファッションはキルトの延命になるのだろうか。

自分のために作ったキルトを13年使っており、紫外線や摩擦、洗濯などによる分解過程が、生地の色落ちや柔らかさ、馴染んだ風合いとして現れてきた。擦り切れたら当て布などして、多様な生地が縫い合わされた面に新たなレイヤーを加えていく楽しみがあるのも、パッチワークやアップリケの良さであると感じる。今後も技法やデザインの試行錯誤を重ねると同時に、過去作品のメンディングも制作の一部として続けていきたい。

2024年11月

参考書籍：

• 藤原辰史(2019).『分解の哲学 ―腐敗と発酵をめぐる思考―』. 青土社. 
• 山崎 明子(2023). 『「ものづくり」のジェンダー格差: フェミナイズされた手仕事の言説をめぐって』. 人文書院.
• 高橋律子(2021). 「現代美術の技法としての「縫う」の位相ジェンダーの視点からの考察」『人間社会環境研究』41号, pp. 33-47.
• 小野ふみえ(1994).『キルトに聞いた物語』. 暮しの手帖社.
• Parmal, P. A., Swope, J., Whitley, L. D., & Ulrich, L. T. (2021). Fabric of a nation: American quilt stories. MFA Publications, Museum of Fine Arts, Boston. 

注釈：

1. Lippard, L. R. (1983). Up, Down, and Across: A New Frame for New Quilts. In The Artist & the Quilt (pp. 32–43). essay, Knopf.
2. Katz, A. (2019). Lessons in Promiscuity: Patterning and the New Decorativeness in Art of the 1970s and 1980s. In With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (pp. 17–51). essay, The Museum of Contemporary Art.
3.  Hunter, C. (2020) Value. In Threads of Life: A History of the World Through the Eye of a Needle (pp. 205-226). Abrams Press.  
4. https://www.instagram.com/team.yamanba/ 
5. https://www.instagram.com/p/C04Pry0rTer
6. https://www.instagram.com/p/CtutGdFpLgw

作家プロフィール

木織音 / Kione

1993年東京生まれ。2015年米国ベニントン大学卒業。在学中は主にビジュアルアートと衣装デザインを学ぶ。2012年に「Kione’s」を立ち上げ、1点物のキルト、クッション、衣服などを制作。即興性を取り入れた構図で形や色を縫い止め、「色の瞬間」を捉えた作品を制作。現在は東京を拠点に活動を続ける。
https://www.kionek.com
https://www.instagram.com/kionek

主な個展

• 2024 Patchwork for Decoration（MIDORI.so Bakuroyokoyama, 東京）
• 2022 mtk+ vol.8 木織音 / Kione（mtk+, 京都）
• 2021 Color Moments（clinic, 東京）

Kione｜Taking Apart / Piecing Together

Open Letter Gallery is pleased to present a solo exhibition by quilt artist Kione, entitled “Taking Apart / Piecing Together,” from November 16th to December 22nd, 2024.

This exhibition delves into the rhythmic patterns, vibrant colors, and tactile qualities of Kione’s quilts, while also exploring the structural aspects of quilting, such as the combination of multiple patterns and the pieced patchworks which applies to whichever 2-D or 3-D. Also, by addressing the historical context of quilting, this exhibition offers a critical perspective on the act of making and using quilts today, showcasing Kione’s ongoing exploration of the potential of this medium.

• Kione | Taking Apart / Piecing Together
• Dates: November 16th – December 22nd, 2024
  *Closed November 30th and December 1st
• Hours: Saturdays and Sundays, 12:00 PM – 6:00 PM
• Admission: ¥500 (Free for children, high school students, and local residents)
• Kione’s works are available at our online store until Dec. 29.

Artist Statement

Composing a Quilt

Fabrics purchased new by the yard, precut bundles of quilting cottons, textiles “harvested” from thrifted clothing, and scraps from past projects – these are some of the materials I use in my quilts. Patchwork (joining fabric together side by side [fig. 1]) and conventional applique (overlapping fabric and stitching them in place [fig. 2]) are techniques that can utilize even the smallest of scraps and it is rare to use whole cloths, as is, without cutting into it. (There are whole cloth quilts, which as the name suggests, uses whole – not pieced – cloth and has elaborate quilting or trapunto details.)

In patchwork, scraps or small fabric parts are sewn together to create a larger whole, for the purposes of “decoration.” Whether the motifs are abstract or figurative, the process planned or improvisational, what has been cut, is sewn back together to create a decorative design using different properties of the fabric like hue and value. In the case of strip piecing (fig. 3) the maker cuts and sews together strips, which are then cut and sewn again to create a design. In order to capture intuitive, fleeting moments of color juxtapositions, I prefer the pace of machine piecing over hand-sewing, especially when I work improvisationally.

Let us take a single fabric “piece” as the smallest unit of patchwork. That piece may have been cut from fabric woven at a specific width, or from garments made with said fabric, or even from cloth storage bags such as feed and flour sacks. Even if one were to use a scrap as is, without trimming it, scraps exist as a result of cutting into something. In other words, the process of patchwork requires fabric and fiber products to be taken apart. And this act of taking apart allows the pieces to be stitched back together in the (re)composition of decorative textiles. 

Once sewn together, the pieces typically form the second smallest unit of a “block” (fig. 4). By assembling one block at a time, large projects become more manageable. Repeated blocks with or without sashing or a border is a common quilt design – by simply adding another row or a column of blocks, it has the potential to grow in all directions. The maker decides how many blocks to repeat, as well as if and how the blocks will vary.

Much like embroidery and other handcrafts, the definition of patchwork or applique does not specify its subject or form. I have made garments, bags, and pillows in addition to quilts, though I am more interested in giving function to the patchwork textiles rather than designing and producing the aforementioned items. As a maker, I am not interested in contributing to a culture of excessive consumption, but it is rewarding when my handmade products meet someone’s needs. While the usefulness of “Art” often goes unquestioned, Lucy Lippard observes that “quilts, because they are useful, inspire less fear in their makers of being time-wasters, selfish, or self-indulgent.” Perhaps this is one reason why patchwork is made into objects of relative utility (see bags, placemats, tissue box covers etc.). In the context of the Pattern and Decoration Movement of the 1970s, curator Anna Katz describes prints and patterns of the applied arts, i.e. “superficial” patterns not bonded to a structure, as being able to “slip and slide off.” Similarly, patchwork and applique textiles are inessential surfaces with no loyalty to scale or form, slipping and sliding into the realms of everyday items, home interiors and fashion – a non-industrial (handcrafted) pattern that can attach to a wide array of fabric objects.  

“American” Quilts

Many of the “American” and “Country” quilts that gained popularity in Japan are based on the work of settler colonialists who practiced the craft on land stolen from indigenous peoples. Colonialism, christianity, white supremacy, and the history of slave labor are inextricably woven into these “American quilts,” some contexts manifesting more visibly than others. As I exhibit my quilts in a place with deep-seated romanticization of all things Americana, I want to at least point to its underlying history of colonialism. In the past, quilts were also part of dowries, and a surface for displaying women’s skillfulness in needlework. From designs that symbolize marriage to quilts gifted to celebrate childbirth – these aspects of the craft coalesce into an image of the ideal quiltmaker as a cisgender, heterosexual daughter, wife, then mother, who is dextrous and productive. (For works by male tailors, see the intarsia applique displayed at the Great Exhibition held in London in 1851.) On the other hand, as an intimate yet communal medium, quilts have been used in political actions to raise funds for and empower marginalized and oppressed groups (e.g. NAMES Project AIDS Memorial Quilt, banners by Political Craft Club, Quilts for Palestine, The Euphoria Quilt). There is much to learn from the radical history and culture of quiltmaking and I hope to explore its evolving political contexts as much as the technical aspects of the craft. 

Patchwork and Mending, Extending the Life of Textiles

Use of fabric scraps and garments is embedded into the history of patchwork. Making quilts from garments is one way to extend the life of textiles, but it takes an immense amount of time, effort and care – more than I can realistically spend in my current practice – to neatly take apart an entire shirt to use it completely from hem to collar. New ideas are also needed to effectively incorporate fabric that is visibly “worn.” Sewing is reversible to an extent, but once punctured by machine needles, it is not so easy to restore fabric back to its initial state. Damage is minimal if immediately disassembled, but second hand clothes are often faded or worn out around the seams. The world is overflowing with fiber products and I am aware the issue is larger than what any individual can tackle, but I still find it to be a constructive and creative limitation to source materials outside of the fabric store. In recent years, coats and wearable items made of vintage quilts have become popular – debates around the ethics of cutting quilts aside – perhaps what was once a garment and turned into a quilt, is becoming wearable again in the form of quilt coats. If cutting up garments in quiltmaking extends the life of textiles, do clothes made of vintage quilts extend the life of quilts?

I have been using a quilt I made for myself for 13 years, and it has softened and faded in color from wear, washing, and sun exposure. I think one of the joys of patchwork and applique is the opportunity to add new layers to an already patchworked surface through mending. I look forward to providing mending services for past works as I continue my quiltmaking practice.

November 2024

References

• Tatsushi Fujiwara (2019). 分解の哲学 ―腐敗と発酵をめぐる思考.  [Philosophy of Decomposition: Thoughts on Corruption and Decomposition.]  Seidosha, Tokyo.  
• Akiko Yamasaki (2023). 「ものづくり」のジェンダー格差: フェミナイズされた手仕事の言説をめぐって. [“Monodzukuri” and Gender Disparity: On the Discourse of Feminized Handwork.] Jinbunshoin, Kyoto. 
• Ritsuko Takahashi (2021). 現代美術の技法としての「縫う」の位相ジェンダーの視点からの考察. [“Sewing” as a Technique in Contemporary Art: A Study of Gender Perspective.] Kanazawa University Graduate School of Human Socio-Environmental Studies, Kanazawa.
• Fumie Ono (1994). キルトに聞いた物語. [Stories Heard from Quilts.] Kurashi no Techo, Tokyo.
• Parmal, P. A., Swope, J., Whitley, L. D., & Ulrich, L. T. (2021). Fabric of a nation: American quilt stories. MFA Publications, Museum of Fine Arts, Boston.

Notes:

1. Lippard, L. R. (1983). Up, Down, and Across: A New Frame for New Quilts. In The Artist & the Quilt (pp. 32–43). essay, Knopf.
2. Katz, A. (2019). Lessons in Promiscuity: Patterning and the New Decorativeness in Art of the 1970s and 1980s. In With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (pp. 17–51). essay, The Museum of Contemporary Art.
3.  Hunter, C. (2020) Value. In Threads of Life: A History of the World Through the Eye of a Needle (pp. 205-226). Abrams Press.  
4. https://www.instagram.com/team.yamanba/ 
5. https://www.instagram.com/p/C04Pry0rTer
6. https://www.instagram.com/p/CtutGdFpLgw

Artist Bio

Born 1993 in Tokyo, Kochi graduated from Bennington College in 2015 with a focus in visual arts and garment construction. In 2012, she founded Kione’s, a handmade fabric goods brand where she makes and sells one-of-a-kind textile works including quilted blankets, bags and garments. Using the language of patchwork quilts, she creates improvisational compositions, piecing together forms to capture color moments. She currently lives and works in Tokyo.
https://www.kionek.com
https://www.instagram.com/kionek

Solo Exhibitions (selected)

• 2024 Patchwork for Decoration（MIDORI.so Bakuroyokoyama, Tokyo）
• 2022 mtk+ vol.8 Kione（mtk+, Kyoto）
• 2021 Color Moments（clinic, Tokyo）

Open Letterでは、6月15日（土）より imo.books. の展示《AROUND THE TINY DESK》を開催します。本展は、東京を拠点に活動するインディペンデント ブックレーベル imo.books.にフォーカスを当て、当レーベルのオリジナル タイトルのzineとアートブック、関連アーティストの作品やマルチプル、そしてimo.books.が作り出される場、つまりレーベル主宰の野上さんのDIY感あふれるデスク周りの環境や、日々のインスピレーション ソースをインスタレーションとして展示します。

imo.books.の制作風景

imo.books.の本作りには、これぞzineといったラフな佇まいを見せながら製本や印刷に職人的な工夫が凝らされていたり、国内外の様々な世代のアーティストたちとしなやかにネットワークを築きながら協業したりと、オーセンティックな手仕事やデザインワーク、そしてSNS時代ならではの可能性によって野上さんのパーソナルな情熱がかたちになって発信されていく、そのプロセスが強く感じさせられます。imo.books.が主に扱うストリートアートやグラフィティはもちろん、ブックレーベルや本作りに関心のある方にとってたくさんのヒントが詰まっていると思います。

わずか80×50cmという小さなワークデスクから生み出されるimo.books.の世界をぜひご覧ください。

• 展覧会名：imo.books. 《AROUND THE TINY DESK》
• 展示参加アーティスト（マルチプル作品も含む）；
  REMIO、DIEGO、BIEN、KINJO、MOSA、Vug、Yoonkee Kim、Skolas、宮入圭太
• 日程：2024年6月15日(土)〜29日(土) *土日のみのオープン
• 時間：上記期間の土曜日と日曜日 12~18時オープン
• オープニング レセプション：6月15日(土) 15~18時
• 鑑賞料：無料

imo.books.について

imo.books.は世田谷から海外のアート関連の書籍、ZINE、雑貨などを中心に紹介しています。 店主の独断と偏見によってセレクトされた商品をアーティスト・ギャラリー・出版社などから直接仕入れています。
Instagram: @imo_books / Online store

これまでに制作された imo.books.のオリジナルタイトルの一部
左から時計回りに、Taishi Nishihiro “AIR BRAIN”、vug “niki”、REMIO “OUTDOORSY” 付属プリント、REMIO “THROW UP”、REMIO “OUTDOORSY” 付属プリント、REMIO “OUTDOORSY”、“Bulky Research in Asia zine” ALEXANDRE BAVARD aka MOSA、KINJO “everywhere”、中央はBIEN “DEBRIS 2″

Open Letter is pleased to present “AROUND THE TINY DESK,” an exhibition by imo.books. starting Saturday, June 15. This exhibition will focus on the Tokyo-based independent book label imo.books. and will feature zines and art books of the label’s original titles, works and multiples by related artists, as well as the place where imo.books. is created, namely the DIY-like desk environment of the label’s founder, Nogami-san and his daily sources of inspiration as an installation.

With its authentic handwork, design work, and the possibilities of the social networking age to create books, we can strongly feel the process of Nogami-san’s personal passion taking shape and being transmitted through the possibilities of the social networking age. We think it is full of hints for those who are interested in book labels and book making.

Please come and see the world of imo.books. created from a small work desk of only 80 x 50 cm.

• Exhibition Title: imo.books. “AROUND THE TINY DESK”
• Dates: June 15 (Sat) – 29 (Sat), 2024 *Open only on Saturdays and Sundays
• Hours: Saturday and Sunday during the above period, open 12~18pm
• Opening reception: Saturday, June 15, 3~6 pm
• Admission: Free

About imo.books.

imo.books. introduces mainly art-related books, zines, and miscellaneous goods from Setagaya to overseas. The items are selected by the owner’s own discretion and prejudice, and are purchased directly from artists, galleries, and publishers.
Instagram: @imo_books / Online store

展示の景色（撮影：濱田 晋） Exhibition landscape photos by Shin Hamada
展示記録（撮影：石橋 剛）Installation view photos by Takeshi Ishibashi

Open Letter では、2月24日より森岡孝充による個展《ONSET》を開催します。本展は、シルクスクリーンスタジオ PAJA STUDIO を主宰しながら近年はペインターとして活動している森岡さんにとって初の本格的な個展となります。

一見その参照元として Op Art を想起させる森岡さんの作品は、自身で「抽象化された心象風景のようなもの」と表するように、純粋な視覚実験というよりも、彼が日常で目にする風景や、ふと感じる違和感がベースになっています。それは、「決められた線と決められていない線を描く。」というステートメントの一文が象徴するように、繰り返される日常や自身が生きている環境を受け入れつつも（またはそこから逸脱することなく）、ポジティブであり続けるための実践そのものであり、絵を描くという行為への森岡さんの信頼であるように思えます。

本展では「グリッド シリーズ」を軸にした新作ペインティングと、森岡さんの制作態度やアイデアが詰まったZineを発表します。ぜひご覧にいらしてください。

アーティスト ステートメント

決められた線と決められていない線を描く。

形式があれば自由があり、
自由があれば形式がある。

日々と日々の中にある自由を楽しみたい。

形式と自由の調和をテーマに、
形式に抗う行為自体が創造的な自由を探求するプロセスであると考え制作をしています。

展示概要

• 森岡 孝充《ONSET》
• 会期：2024年2月24日(土) ~ 3月23日(土)
• 営業時間：上記の土曜、日曜 12~18時
• 鑑賞料：¥500 （ご近所の方、お子様は無料）
• #takashimorioka_onset で展示の様子をご覧いただけます。

アーティスト プロフィール

1996年広島生まれ、現在は東京を拠点に活動。
プリントスタジオ PAJA STUDIO メンバー。
日常にひそむ違和感を楽しみながら制作を行う。
@orchidson_

展示歴

• 2023　イベント《Borderless court yard》で参加（staplecoffee、茨城）
• 2022　mini exhibition（Autumn, 東京）
• 2022　イベント《first attack》で参加（Autumn, 東京）

 展示の景色（撮影：濱田 晋） Exhibition landscape photos by Shin Hamada

展示記録（撮影：石橋 剛）Installation view photos by Takeshi Ishibashi

Takashi Morioka | ONSET

Open Letter is pleased to present “ONSET,” a solo exhibition by Takashi Morioka starting February 24. This is the first solo exhibition for Morioka, who has been active as a painter in recent years while running the silkscreen studio PAJA STUDIO.

His works, which at first glance remind us of Op Art as a reference source, are based on scenes he sees in his daily life and the discomfort he suddenly feels, rather than pure visual experiments, as he describes them as “a kind of abstracted mental landscape. As symbolized by his statement, “I draw the lines that have been decided and the lines that have not been decided,” this is a practice of remaining positive while accepting (or not deviating from) the repetitive routine and environment in which he lives, and seems to be Morioka’s trust in the act of painting.

In this exhibition, we will present new paintings centered on the “Grid Series” and a zine filled with Mr. Morioka’s attitude and ideas. Please come and see them.

Artist Statement

I draw both defined and undetermined lines.
Where there is form, there is freedom, where there is freedom, there is form.
I want to enjoy the freedom that exists in each and every day.
With theme of the harmony of form and freedom,
I create my works with the idea that the act of defying formality is itself a process of exploring creative freedom.

Exhibition Outline

Takamitsu Morioka “ONSET
Dates: Saturday, February 24, 2024 ~ Saturday, March 23, 2024
Hours: Saturdays and Sundays, 12 – 6 PM
Admission: ¥500 (Free for neighbors and children)

Artist Profile

Born in Hiroshima in 1996, currently based in Tokyo.
Member of the print studio PAJA STUDIO.
He enjoys the sense of discomfort hidden in everyday life while creating his works.
@orchidson_

Exhibitions

2023 Participated in the event “Borderless court yard” at staplecoffee, Ibaraki
2022 mini exhibition at Autumn, Tokyo
2022 Participated in the event “first attack” at Autumn, Tokyo

今年ひとつめの企画のお知らせです。
写真家・濱田晋さんによる3日間限定の展示《ARCHIVE》を2月2日(金)、3日(土)、4日(日)に開催します。
その名の通り、濱田さんが過去数年間に制作してきたzineや写真集を中心とした展示になります。路上遊歩を通して見た、ルールやコードから逸脱する人やモノの態度・営みへの洞察を多様なメディアで展開してきた濱田さんの表現を、包括的に見られる機会になると思います。が、天邪鬼な濱田さんゆえ、どんな展示になるかは未知数です…短い期間ですが、ぜひ遊びにいらしてください！

本展の売上の一部を能登半島地震の災害義援金として寄付いたします。（寄付先は検討中）

作家ステートメント

ここ数年で制作したZINEや写真集を実際手にとってご覧いただける展示をOpen Letterにて3日間行います。書籍以外にも額装やその他色々販売予定です。
3年振りのOpen Letter。あの素敵な空間／家だからこそできる展示方法を今回も色々試してみます。できる限り在廊するつもりなのでぜひお越しください

• 濱田晋《ARCHIVE》
• 2024年2月2日(金)、3日(土)、4日(日) 11:00~17:00
• 入場料無料

展示予定の写真集タイトル

・岩紙風(2020)
・TRACKS(2020)
・あたりまえのことたちへⅡ(2021)
・ECHO(2021)
・Tokyo(2022)
・SURROUND(2023)
・両眼のCyclops / This is what it was.It was also what it could be.(2023)
・The focus is far away(2023)
・HAMADA ARCHITECTS™︎ PROTOTYPE BOOK(2023)
・空き地カレンダー2024(2024)
・Polyphony(2024)
・希望の船は川へと向かう(2024)

作家プロフィール

濱田晋　Shin Hamada
1987年 兵庫県生まれ。 主にポートレイト・ドキュメンタリー・取材の分野で撮影を行いながら、「わからないあたりまえを採取する」というコンセプトで、日常の風景を撮影した写真作品を立体作品やテキストなど様々な表現手段と組み合わせながら制作している。zine制作にも精力的に取り組んでおり、ライフワークである『CHILL!』シリーズは10年以上続いている。
ウェブサイト / Instagram

展示歴

2024「希望の船は川へと向かう」（Window Gallery, 東京）
2023 荒川諒也との二人展「両眼のCyclops / This is what it was. It was also what it could be.」（Utrecht, 東京）
2023「空き地を歩く」（STEEP GRADE SHARP CURVES, 東京）
2023 HAMADA ARCHITECTS™️「# Presentation」（東葛西1-11-6-A倉庫, 東京）
2023「Surround」（本屋青旗, 福岡）
2022 グループ展「Light line」（OIL by 美術手帖, 東京）
2021 「あたりまえのことたちへ Ⅱ」（Open Letter, 東京）
2020「岩・紙・風」（Utrecht, 東京）
2020「TRACKS」（SALT AND PEPPER, 東京） 
2019「あたりまえのことたちへ」（ON SUNDAYS, 東京） 
2018「Looking at different things / Doing the same thing」（READAN DEAT, 広島）
2017　企画グループ展「スイッチイナウト」（ROOM412, 東京）
2017「FIGHT FOR MY RIGHT」（About Life Coffee Brewers, 東京）
2017「Practice of thinking 思考の練習」（Utrecht, 東京）
2016「それから and then」（ON READING, 愛知）
2016「それから and then」（NEW ACCIDENT, 金沢）
2015「それから and then」（みどり荘, 東京）

出版歴

2024「希望の船は川へと向かう」（BY ONE PRESS）
2023「Polyphony」（self publishing）
2023「HAMADA ARCHITECTS™︎ PROTOTYPE BOOK」（YYY PRESS）
2023「The focus is far away」（BY ONE PRESS）
2022「Tokyo」（stacks）
2021 「ECHO」（self publishing）
2021「あたりまえのことたちへ Ⅱ」（self publishing）
2020「岩・紙・風」（self publishing）
2020「TRACKS」（SALT AND PEPPER）
2018「Looking at different things / Doing the same thing」（白い立体）
2017「Practice of thinking 思考の練習」（BURNING PAPE®︎）
2015「それから and then」（BYONE PRESS）

==

We are pleased to announce that we will be holding a three-day exhibition “ARCHIVE” by photographer Shin Hamada on February 2 (Fri.), 3 (Sat.), and 4 (Sun.).
As the name suggests, the exhibition will focus on zines and photo collections that Hamada has produced over the past several years. This will be an opportunity to comprehensively view Hamada’s expression, which has been developed in a variety of media based on his insights into the attitudes and activities of people and objects that deviate from rules and codes as seen through his streetwalking. However, since Hamada is not a straightforward artist, we are not sure how the exhibition will turn out… Please come and visit us, even though it will only be for a short period of time!

A portion of the proceeds from this exhibition will be donated to the Noto Peninsula Earthquake Relief Fund. (The recipient of the donation is still under consideration)

Artist Statement

For three days, Open Letter will hold an exhibition of zines and photo books produced in the past few years, which you can actually hold in your hands. In addition to the books, frames and other items will also be on sale.
This will be my first time at Open Letter in three years, and I will be experimenting with different ways of exhibiting my work that are only possible in such a beautiful space and house. I will be at the gallery as much as possible, so please come .

• Shin Hamada “ARCHIVE
• February 2 (Fri.), 3 (Sat.), 4 (Sun.), 2024 11:00~17:00
• Admission free

Artist Profile

Shin Hamada
Born in Hyogo Prefecture in 1987. He has been actively involved in zine production, His lifework, the “CHILL!” series, has been going on for more than 10 years.
Website / Instagram

Exhibitions
2024 “Boat of Hope Heading for the River” at Window Gallery, Tokyo
2023 “Cyclops of Both Eyes / This is what it was. It was also what it could be.
2023 “Walking in the vacant lot” (STEEP GRADE SHARP CURVES, Tokyo)
2023 HAMADA ARCHITECTS™️ “# Presentation” (Higashi Kasai 1-11-6-A Warehouse, Tokyo)
2023 “Surround” (Bookstore Blue Flag, Fukuoka)
2022 Group exhibition “Light line” (OIL by Bijutsu Techo, Tokyo)
2021 “To the Ordinary Things II” (Open Letter, Tokyo)
2020 “Rock, Paper, Wind” (Utrecht, Tokyo)
2020 “TRACKS” (SALT AND PEPPER, Tokyo)
2019 “To the Ordinary Things” (ON SUNDAYS, Tokyo)
2018 “Looking at different things / Doing the same thing” (READAN DEAT, Hiroshima)
2017 “Switch Inout” (ROOM412, Tokyo)
2017 “FIGHT FOR MY RIGHT”, About Life Coffee Brewers, Tokyo
2017 “Practice of thinking” (Utrecht, Tokyo)
2016 “Then and then” (ON READING, Aichi)
2016 “Then and then” (NEW ACCIDENT, Kanazawa)
2015 “Then and then” (Midori-so, Tokyo)

Publication History
2024 “Ship of Hope Heads for the River” (BY ONE PRESS)
2023 “Polyphony” (self publishing)
2023 “HAMADA ARCHITECTS™︎ PROTOTYPE BOOK” (YYY PRESS)
2023 “The focus is far away” (BY ONE PRESS)
2022 “Tokyo” (stacks)
2021 “ECHO” (self publishing)
2021 “To the natural things Ⅱ” (self publishing)
2020 “Rock, Paper, Wind” (self publishing)
2020 “TRACKS” (SALT AND PEPPER)
2018 “Looking at different things / Doing the same thing” (white three-dimensional)
2017 “Practice of thinking” (BURNING PAPE®︎)
2015 “Then and then” (BYONE PRESS)

*展示風景はこちら / Installation views

Open Letter では 9/23(土)より、映像作家チーム最後の手段の個展《NEW首都高》を開催します。マンガや神話、アニミズムなどのサブカルチャーや土着文化に影響を受けた手描きのキャラクターとプロップス、そしてコマ撮りアニメを駆使した映像作品は、めくるめくサイケデリックな展開を見せる中で、多種多様なキャラクターが銘々に蠢いたり響き合うポリフォニックな世界観を描き出します。
本展《NEW首都高》では、異なる時空間をつなぐ道をハイウェイに見立て、映像作品、絵画、立体とさまざまなメディアの作品を展示予定です。ぜひご覧にいらしてください。

展覧会概要

• アーティスト：最後の手段
• タイトル：NEW首都高
• 期間：2023年9月23日（土）~11月5日（日）*10月28日（土）は休廊
• オープン時間：期間中の土曜日、日曜日の11-17時オープン
• 鑑賞料 ¥500 ※お子様、近隣の方は鑑賞料無料

ステートメント

アニメーションは、魂(アニマ)を創造する魔術的な行為である。魂は生と死の間に漂うが、 アニメーションも特殊な空間にある。制作者が描いた時間と想いの凝縮された 1 コマ 1 コマが連なり、特殊な時空間を作り出す。 NEW首都高では、アニメ次元と工作都市をバイパスし、時空を交錯した空間のZINEを表出させる。（最後の手段）

最後の手段：映像作品ダイジェスト

最後の手段の中庭フェア〜（2021, NADiff a/p/a/r/t（東京））より

個展《チカのなかにわ》（2021, NEW PURE＋ Chika No Akichi（大阪））より

グループ展《冬眠映像祭Vol.1 かいふくのいずみ ―インディペンデント・アニメーション、最前線!》
（2020, 十和田市現代美術館（青森））より

あいちトリエンナーレ2019 伊藤ガビン氏の作品《モダンファート 創刊号 特集 没入感とアート
あるいはプロジェクションマッピングへの異常な愛情》へ４面投影の映像作品で参加

アーティスト プロフィール

最後の手段 / Saigo no Shudan

最後の手段は、有坂亜由夢、おいたまい、コハタレンの3人からなる、人々の太古の記憶を呼び覚ますためのビデオチーム。2010年に結成。手描きのアニメーションと人間や大道具小道具を使ったコマ撮りアニメーションなどを融合させ、有機的に動かす映像作品などを作っている。近年は3DCG作品や漫画作品等も手がける。

Website / Instagram / Vimeo

展示風景 / Installation views

写真：石橋 剛 / Photo by Takeshi Ishibashi

Saigo no Shudan | NEW Shutoko

Open Letter is pleased to present 《NEW Shutoko》(*Shutoko is the Metropolitan Highway), a solo exhibition by Saigo no Shudan of the video artist team, starting on September 23. Influenced by subcultures and indigenous cultures such as manga, mythology, animism, etc., their video works using hand-drawn characters, props, and stop-motion animation depict a polyphonic world in which a wide variety of characters stir and resonate among themselves in a dizzying psychedelic development.

This exhibition, 《NEW Shutoko》, will feature works in a variety of media, including video, painting, and sculpture, using the road connecting different time-spaces as a highway. Please come and see the works.

Exhibition Outline

• Artist：Saigo no Shudan
• Title: NEW Shutoko
• Dates: September 23 (Sat) ~ November 5 (Sun), 2023  *Closed on October 28(Sat)
• Opening hours: Open Saturdays and Sundays during the exhibition period from 11am-5pm
• Admission ¥500 *No charge for children and our neighbors

Artist statement

Animation is a magical act of creating the soul (anima). The soul drifts between life and death, and animation is also in a special space. Each frame of time and thought condensed by the creator is linked together to create a special time-space. 《NEW Shutoko》bypasses the animation dimension and the crafted city to reveal a zine in a space that intersects time and space. – Saigo no Shudan

Artist bio

Saigo no Shudan is a video team formed in 2010 by Ayumu Arisaka, Mai Oita, and Ren Kohata to evoke people’s prehistoric memories. They fuse hand-drawn animation with time-lapse animation using humans and props to create organic moving images. In recent years, they have also been working on 3DCG works and manga.

Website / Instagram / Vimeo

展示風景はこちら / Installation views

2023年ひとつめの展示として、3月4日より村上万葉さんの個展『透　明なま　ま息し　て』を開催します。本展は空間設計を手掛ける ordinary sculpture による企画となります。また、劇作家の山本 ジャスティン 伊等さんが展示上演というかたちで参加します。

空間に散在する生々しくも軽やかな村上さんの作品たち。様々に立ち上がり、そして消えていく、ある身体の痕跡。そこから感じられる存在は、どこまで確かなのだろうか。

異なるバックグラウンドを持つ 3 者による、Open Letter の生活空間をも使った試みをぜひご覧にいらしてください。

※ 3 者のアーティストインタビューを公開しています。ぜひご覧ください。

展覧会概要

• アーティスト：村上万葉
• タイトル：透　明なま　ま息し　て
• 期間：2023年3月4日（土）~4月2日（日）
• オープン時間：期間中の土曜日、日曜日の11-17時オープン
• 展示上演：山本ジャスティン伊等
• 企画：ordinary sculpture
• 鑑賞料 ¥500 + 山本ジャスティン伊等による展示上演作品への投げ銭形式
  ※お子様、近隣の方は鑑賞料無料

Open Letter にて展示の打ち合わせ。左から ordinary sculpture（山本卓弥）、山本ジャスティン伊等、村上万葉

ステートメント

村上万葉

「私がここにいる」と感じるための部屋を作る。

私にとって作品を制作することは、常に自分の存在を確かめ続けることであり、疑い続けることでもある。まるで鏡にうつる自分に対して「誰？」と問い続けるように。
私の姿を私自身が本当の意味で見ることは出来ないという事実に囚われながら、そこから逃げるための唯一の方法として、制作を続けているのだろう。

作品によって立ち現れる「私」は、鏡にうつる姿のように「私自身の像」のようなものだ。輪郭の無い私が部屋の中に潜む時、私の皮膚はどこまで続いているのか。

私という存在は、私の中だけの妄想かもしれない。なぜなら、ここに「私」がいると明確に感じられるのは世界に私だけだから。

山本ジャスティン伊等

過去の行為をなぞること。それは当の行為とそれが行われた時間や空間をあらためて現前させる。しかしなぞることは同時に、過去に立ち上がって今では空白となった行為と空間を埋め、更新することでもある。それはある意味で、なぞることによる過去の消去でもあるかもしれない。

ギャラリーのなかには、おびただしい量の、村上さんの作品が配置されているだろう。目の前に作品が「ある」という当たり前の状態に、ささやかな「ない」をそえること。消去とは、なぞるとはそのような行為だと考えてみるところから、今回の作品制作ははじまった。

目の前の作品が「ある」と「ない」のあいだで振動する。そのとき、「展示」は「上演」されているといえないだろうか。

― 以下、展示上演作品のラジオ作品に寄せて―

過去は固定したものではなく、出来事と私（たち）との関係を常にあたらしく構築することができるものとしてあるのだと思います。それは歴史や個人の生に対してある種の危うさを伴い、またそれゆえに語り直しが必要ともされる。

私は、今ここで起こっているいくつもの殺しを忘れて、言葉を書いています。

それは反面、忘れることによって、私があたらしく思い出すための準備をしているようにも思える。

また思い出すことに賭けて、忘れるために、声にしました。

ordinary sculpture

ordinary sculptureという言葉は「普通の彫刻」を意味する。
何気ないことが活きていくような関係を、空間を通して表現していくことを意図した造語である。
これは、あるきっかけから記憶を遡りさまざまな感情を引き起こす【懐かしさ】という状態に通じていると考える。

今回展示する村上万葉さんの作品は、そのフォルムから人の身体を想像させる生々しさを含んでいる。
そして共通して誰かの存在を感じさせる。
「展示上演」という形で参加する山本伊等さんもまた、誰かの存在を表現する。

【懐かしさ】は、自己を軸に思考すると共に自己と向き合う状態であるとも捉えることができる。
誰かの存在を意識することは、【懐かしさ】と同じような感覚を引き起こすのではないだろうか。

Open Letter は、家族の生活の延長線上に展示空間が存在するギャラリーである。
この環境をベースに、【懐かしさ】に作用する仕掛けを施すことを目指す。
鑑賞者にとっての誰かの存在が展示空間で交錯し、対峙した鑑賞者がその存在を自分と重ね合わせることを期待する。

作家プロフィール

村上万葉 / Mayo Murakami

個展『脱ぎ捨てられた視線』より

1996年生まれ。2019年武蔵野美術大学油絵学科油絵専攻卒業。近年の主な展示に「脱ぎ捨てられた視線」（CURATOR’S CUBE、東京、2020年）や「I miss me.」（小金井アートスポット シャトー2F、2019年）がある。身体と「私」という存在の関係性をテーマに立体物やインスタレーション作品を制作する。2019年以降はストッキングや靴下など身につけるものや生活に身近な素材を用いて作品を展開している。

website / instagram @mayo_.m

==

山本 ジャスティン 伊等 / Justin Karera Yamamoto

Dr. Holiday Laboratory『シャッセナンビ』より

早稲田大学大学院文学研究科表象メディア論コース修士課程修了。Dr. Holiday Laboratory主宰。劇作家、演出家、俳優。過去の舞台作品に『配置された落下』『うららかとルポルタージュ』『シャッセナンビ』等。2023年2月にこまばアゴラ劇場にて『脱獄計画（仮）』（原案：アドルフォ・ビオイ=カサレス）上演。

website / instagram @justinkarera

==

山本 卓弥 / Takuya Yamamoto

1992年奈良県生まれ。多摩美術大学美術学部環境デザイン学科卒業。2020年よりordinary sculptureを主宰。主に店舗やオフィスの空間設計を行う傍ら、屋外における写真展や絵画展の会場構成・什器製作などの展示空間づくりを手掛ける。2023年大久保にて、1.4㎡のギャラリー「call box」をオープン予定。

website / instagram @ordinary_sculpture

展示風景 / Installation views

Photo by Makoto Okazaki @mktokz

Mayo Murakami | “Tou Meinama maikishi te”

As the first exhibition of 2023, we are pleased to present a solo exhibition by Mayo Murakami, “Tou Meinama maikishi te,” starting March 4. This exhibition will be organized by ordinary sculpture, a space designer. Karera Justin Yamamoto, a playwright, will also participate in the exhibition as a performer.

Scattered throughout the gallery space, Murakami’s organic-shaped sculptures will give the audience feeling of the traces of a body that rise and disappear in various ways. To what extent is the presence that can be felt from them certain?

Please come and see the experimental attempt of three artists with different backgrounds to use even Open Letter’s living space not only its exhibition space.

Exhibition Overview

• Artist: Mayo Murakami
• Title: “Breathe Clearly
• Dates: March 4 (Sat) – April 2 (Sun), 2023
• Open hours: Saturdays and Sundays 11am-5pm
• Performance: Karera Justin Yamamoto
• Curation: ordinary sculpture
• Admission: ¥500 + Pay-as-you-wish to performance by Karera Justin Yamamoto
• Admission is free for children and our neighbors.
• The performance by Karera Justin Yamamoto is scheduled to start in the middle of the exhibition period. We will announce the detailed schedule on our website and SNS when it is decided.

Statements

Mayo Murakami

I create a room to feel “I am here.

For me, creating a work of art is a constant confirmation of my existence, as well as a constant questioning. It is as if I keep asking myself in the mirror, “Who am I? to myself in the mirror.
I am trapped in the fact that I cannot see myself as I really am, and I guess I continue to create art as the only way to escape from this fact.

The “I” that appears in my works is like an image of myself, like the reflection in a mirror. When I, who have no outline, hide in a room, how far does my skin go?

The existence of “I” may be a delusion only within me. Because I am the only one in the world who can clearly feel that “I” am here.

Justin Karera Yamamoto

Tracing past actions. It makes the actual act and the time and space in which it took place present once again. At the same time, however, tracing also fills in and renews the past, the acts and spaces that have stood up in the past and are now empty. In a sense, it may be an erasure of the past through tracing.

In the gallery, there will be an enormous amount of Murakami’s works. To add a small “not being there” to the obvious “being there” of the works in front of us. This time, the creation of my work began with the idea that erasing or tracing is such an act.

The work in front of me vibrates between “being there” and “not being there.” At that moment, I would say the “exhibition” could be “staged.”

ordinary sculpture

The term “ordinary sculpture” means “normal not special sculpture.”
The term was coined with the intention of expressing a relationship in which the ordinary comes to life through the space.
We believe that this is connected to the state of “nostalgia,” which triggers various emotions by triggering memories back to a certain point in time.

The works by Mayo Murakami in this exhibition have a vividness that makes us imagine the human body from their forms.
And in common, they make us feel the presence of someone.
Karera Yamamoto, who participates as an “exhibition performance,” also expresses the presence of someone.

“Nostalgia” can be seen as a state of thinking with the self as the axis and facing the self at the same time.
Being aware of someone else’s presence may trigger a similar feeling of nostalgia.

Open Letter is a gallery where the exhibition space exists as an extension of family life.
Based on this environment, we aim to create a mechanism that acts on [nostalgia].
We hope that the presence of someone for the viewer will intersect in the exhibition space, and that the viewer who confronts this presence will superimpose it on himself or herself.

Artist Profile

Mayo Murakami

From “The Undressed Gaze”

Born in 1996, Mayo Murakami graduated from Musashino Art University in 2019 with a major in oil painting. Recent major exhibitions include “The Undressed Gaze” (CURATOR’S CUBE, Tokyo, 2020) and “I miss me.” (Koganei Art Spot Chateau 2F, 2019).Murakami creates three-dimensional objects and installation works on the theme of the relationship between the body and the existence of “I”.Since 2019, she has been developing works using materials that are familiar to us in our daily lives, such as stockings and socks.

website / instagram @mayo_.m

Justin Karera Yamamoto

Dr. Holiday Laboratory “Chassenambi”

M.A. in Representational Media Studies, Graduate School of Letters, Waseda University. The director of Dr. Holiday Laboratory. A playwright, director, and actor. Past stage works include “Inevitable Descent,” “Uraraka and Reportage,” “Chassenambi,” etc. “Jailbreak Project (tentative)” (original idea: Adolfo Bioy-Casares) was performed at Komaba Agora Theater in February 2023.

website / instagram @justinkarera

Takuya Yamamoto

Born in Nara, Japan in 1992. Graduated from Tama Art University, Faculty of Art and Design, Department of Environmental Design.
He has been running “extraordinary sculpture” since 2020.
While mainly designing spaces for stores and offices, he also creates exhibition spaces for outdoor exhibitions of photographs and paintings, including venue composition and fixture production.
He plans to open a 1.4㎡ gallery “call box” in Okubo in 2023.

website / instagram @ordinary_sculpture